„Anatomy of a Fall“-Rezension: Ein fesselndes Gerichtsdrama über kleine Details

Justine Triet ist durch und durch fesselnd Anatomie eines Sturzes untersucht die Art und Weise, wie Informationen während eines laufenden Mordprozesses Charakter offenbaren und umgekehrt. Sandra, eine deutsche Schriftstellerin, gespielt von Sandra Hüller, wird beschuldigt, ihren Ehemann Samuel (Samuel Theis) in ihrer abgelegenen französischen Hütte getötet zu haben. Ein Jahr später wird ihre Beziehung im Gerichtssaal unter die Lupe genommen, sorgfältig geprüft und auseinandergenommen, damit die ganze Welt es sehen kann. Dazu gehört ihr blinder jugendlicher Sohn Daniel (Milo Machado Graner), der einzige Zeuge des Todes seines Vaters; Daniel fand auch Samuels Leiche, nachdem er scheinbar aus einem hohen Fenster gefallen war, seltsame Blutspritzer in der Nähe hinterlassen hatte und beim Aufprall starb.

Doch bevor sich die Handlung entfaltet, locken uns Triet und Co-Autor Arthur Harari mit Erinnerungsstücken und Musikstücken, darunter vielleicht der amüsantesten und absurdesten Verwendung eines 50-Cent-Songs in der jüngsten Vergangenheit; eine Instrumentalversion seiner fröhlichen, energiegeladenen Single „PIMP“ aus dem Jahr 2003 ist ein wichtiger Handlungspunkt! Neben den Dialogen im Gerichtssaal spielen diese Details eine ebenso wichtige Rolle, um die Identitäten, Unsicherheiten und – wenn so etwas möglich – ihr wahres Selbst ans Licht der Charaktere zu bringen.

Der Film bietet fesselnde Darbietungen und Gerichtsszenen.

Als Antwort an die Franzosen öffentliches Ministerium und seinem rücksichtslosen Staatsanwalt (Antoine Reinartz) ist Sandra gezwungen, rechtliche Strategien zu verfolgen, die im Widerspruch zu ihrer eigenen Einstellung zu Samuel stehen. Dies verursacht sowohl bei ihr als auch bei Daniel Gewissenskrisen, die immer unsicherer werden, was sie glauben sollen.

Als Sandra vor Gericht steht, wird sie gezwungen, gebrochenes Französisch zu sprechen – die Muttersprache ihres Mannes, aber ihre dritte Sprache; Gelegentlich gerät sie ins Englische – was sie während des größten Teils des Films auf Distanz hält. Ihr Anwalt Vincent (Swann Arlaud) ist ein persönlicher Freund beider, und so bleibt ihm keine andere Wahl, als Samuels Tod als Selbstmord zu betrachten, da ein versehentlicher Sturz aus seiner Dachbodenwerkstatt vor einer Jury schwer zu beweisen scheint. Da ihre Freiheit auf dem Spiel steht, bleibt ihr kaum eine andere Wahl, als sich dieser Erzählung anzuschließen; es hinterlässt einen sauren Geschmack in ihrem Mund, aber es hilft ihr bald auch, Samuel in einem neuen Licht zu sehen.

Diese unerwarteten Schichten jeder Figur sind per se keine Wendungen in der Handlung, da sie nicht der typischen Aufbau-/Abwicklungsstruktur folgen, sondern eher erzählerische Zickzacklinien, die dabei helfen, bestehende Ereignisse und die Art und Weise, wie das Publikum sie sieht, neu zu gestalten Ehe eines Paares. Tatsächlich sind alles, was wir jemals von Samuel sehen, Rekonstruktionen; Er wird uns erst nach seinem Tod auf dem Bildschirm gezeigt, und alles, was wir erfahren, sind die Erinnerungen anderer Menschen an ihn und Triets Visualisierung verdeckter Aufnahmen, die er von einigen seiner Auseinandersetzungen mit Sandra gemacht hat.

Da ihre Ehe schon seit einiger Zeit auf der Kippe liegt, vielleicht länger, als das Publikum oder Daniel dachten, gerät Sandra zunehmend unter Beschuss, während Reinartz sich durch jeden anklagenden Monolog schlängelt und einen gerechten Kampf führt, der ihm immer noch die absolute Vollkommenheit verleiht abscheulich. Es hilft auch, dass Hüller in ihrer Rolle als Sandra versucht, eine vorsichtige Balance zwischen dem öffentlichen und dem privaten Selbst der Figur zu finden, obwohl ihr unter Druck oft ein Fehler unterläuft und sie zusammenbricht. Es ist eine zutiefst verletzliche Aufführung, die nicht nur die Trauer über den Tod ihres Ehepartners und die Angst, wegen Mordes angeklagt zu werden, in sich schwelt, sondern die dies zu einem fortlaufenden Prozess macht und sie am Ende ihrer Kräfte zurücklässt. Wenn die Figur in einem privaten Moment sagt: „Ich habe das Weinen so satt. Es ist wirklich lächerlich, es ist so anstrengend“, dann glaubt man fest daran, dass die Prämisse des Films – die uns gerade vorgestellt wurde – ins Wanken geraten ist ein Jahr lang bei ihr.

Die Geheimwaffe des Films ist jedoch wohl Machado Graner, ein Kinderdarsteller, der eine monumental erwachsene Aufgabe übernimmt und nicht nur die unkontrollierbare Qual des Verlustes verkörpert, sondern auch die Verwirrung und das Misstrauen der Figur gegenüber dem, was von seiner Familie übrig geblieben ist. Niemand möchte glauben, dass seine Mutter eine Mörderin ist, geschweige denn, dass die Ehe seiner Eltern alles andere als perfekt war. Aber Daniel sehnt sich so verzweifelt danach, festen Boden unter seinen Füßen zu haben, dass er bereit ist, jede Möglichkeit, selbst die ungeheuerlichste, anzunehmen, wenn es darum geht, wieder eine gewisse Gewissheit zu haben. Machado Graner erfasst daher alle möglichen Ergebnisse, sobald sie auftauchen, obwohl jedes neue Beweisstück Daniel nur noch mehr zu verwirren scheint und den jungen Schauspieler in einen ständigen Zustand der Suche zwingt – auch das ohne die Hilfe der Figur Sicht.

Triet hält die Kamera während mehrerer Gerichtsszenen auf Daniel gerichtet und nutzt nur seine Reaktionen und den Dialog der anderen Charaktere außerhalb des Bildschirms, um die Bewegung ihrer Kamera zu steuern, die um ihn herumfliegt, wenn ihm neue Informationen zugeworfen werden. Diese Abkehr von der ansonsten traditionellen filmischen Form des Films verleiht seinem Erlebnis nicht nur ein Gefühl von Realismus, sondern verwirrt den Zuschauer dabei auch. Es hält auch Machado Graner so weit wie möglich im Rahmen und fesselt uns an seine Zerbrechlichkeit.

Doch während die Darbietungen und Dialoge dazu beitragen, die Rätsel und inneren Denkweisen der verschiedenen Charaktere deutlich zu machen, neigen viele Designdetails und die Implikationen bestimmter Fragen dazu, den Subtext des Prozesses selbst zu verschieben, der zu einer Art fließendem Charakter wird . Je länger es dauert, desto umfassender wird die Anklage und zielt nicht nur auf die Ehe von Sandra und Samuel, sondern auch auf ihre jeweiligen literarischen Karrieren, ihre Beziehung zu ihrem Sohn und sogar auf Sandras Weiblichkeit und Sexualität.

Anatomie eines Sturzes stellt Sandras Weiblichkeit auf die Probe.

Zu Beginn folgt der Prozess den physischen Beweisen für Samuels Tod, aber wenn die Dinge nicht schlüssig aufgehen, erhält der Prozess eine pointiertere Erzählung. Der Film verrät beiläufig, dass Sandra bisexuell ist, was ihrer Familie schon immer bewusst war, aber es ist ein Element ihres Hintergrunds, das dazu genutzt wird, das Gericht der öffentlichen Meinung gegen sie zu vergiften, wenn Fragen zu ihrer Untreue auftauchen. Am Tag von Samuels Tod wurde sie von einer jungen Reporterin interviewt, und ihre Interaktionen – die kokett wirken, wenn auch nur beiläufig – werden auch zum Beweis für angedeutete Unangemessenheit und mögliche Auseinandersetzungen zwischen dem Paar. (Samuel sabotiert dieses Interview offenbar auch, indem er „PIMP“ in unangemessener Lautstärke spielt.)

Dies ist die explizitere Art und Weise, wie Sandras Weiblichkeit auf den Prüfstand gestellt wird, was auf eine Art intrigante Doppelzüngigkeit hindeutet, obwohl es auch einige implizitere Arten gibt, die genauso unheimlich, wenn nicht sogar noch finsterer sind. Zum einen wird ihr ihr Erfolg vorgeworfen. Sie blühte zu einer Zeit auf, als Samuel sich in der beruflichen Schwebe befand. Diese Nebenhandlung nimmt im Laufe der Zeit sicherlich mehr Nuancen auf und zeigt, dass Samuel ein dynamischer, wenn auch unruhiger Charakter ist, aber sie spielt sich manchmal wie das Herzstück des gesamten Prozesses ab und zwingt uns, sogar die Bösartigkeit des Staatsanwalts als eine Form zu interpretieren einer Überkompensation. Keine Aussage von ihm deutet direkt darauf hin, aber Redakteur Laurent Sénéchals rhythmischer, peitschender Aufbau der Gerichtsszenen lässt Raum für diese Möglichkeit, wenn man bedenkt, wo und wie sich seine Reaktionsschüsse zu manifestieren scheinen.

Trotz einer völlig selbstbewussten Darbietung von Reinartz sticht die gezeigte Filmsprache die kleinsten Löcher in eine scheinbar bekannte Größe – eine Perspektive und Motivation, die sich völlig sicher anfühlt. Wir wissen, was der Staatsanwalt will, genauso wie wir wissen, was jeder Charakter will, aber von den Rändern des Bildschirms schleichen sich subtile Elemente des Zweifels ein. Ebenso scheint die Art und Weise, wie Sandra sich präsentiert (d. h. die Art und Weise, wie sie entworfen und präsentiert wird), ähnliche Zweifel hervorzurufen, obwohl diese wahrscheinlich eher beim Publikum als bei einer bestimmten Figur hegen. Ihr kurzer Haarschnitt und ihre grauen Hosenanzüge sind das Gegenteil eines archetypischen Bildes westlicher Weiblichkeit, das in einer Erzählung im Gerichtssaal einer konservativeren Jury gefallen könnte.

Der Film geht nicht auf die einzelnen Geschworenen ein, aber es ist schwer, sich nicht zu fragen, ob jemand auf der Jury Sandra wegen ihrer Seltsamkeit eher verächtlich sieht oder sie dank ihres subtil maskulinen Aussehens sogar unbewusst als von Natur aus jemand wahrnimmt fähiger zur Brutalität. Letztlich sind alle Beweise auf diese und ähnliche Vorurteile zurückzuführen, und selbst als Zuschauer fällt es schwer, sich nicht mit einigen der Ansichten auseinanderzusetzen, die der Film hervorbringt, unabhängig davon, ob er bei den Zuschauern Zweifel aufkommen lässt oder nicht.

Der Einsatz von Klang durch Justine Triet ist sensationell.

Anatomie eines Sturzes hängt nicht von Sandras Schuld oder Unschuld ab, um wirksam zu sein. Tatsächlich scheint seine Erzählperspektive schon früh eine Version von Tatsachen und Ereignissen zu unterstützen, während sich die verbleibenden Fragen eher mit der Art und Weise befassen, wie sich unterschiedliche Interpretationen dieser Tatsachen und Ereignisse unweigerlich auf den Fall auswirken werden. Der Film ist in gewisser Weise sowohl ein anthropologisches Ratespiel als auch ein kurvenreiches Drama, mit Hinweisen in Form von physischen Details und Informationsfetzen, die zu fragen scheinen: „Wie wirkt Sandra dadurch auf die Jury?“ Und Was ist mit ihrem Sohn?

Ein besonders augenzwinkernder Weg, dies zu erreichen, ist die Musik, und genauer gesagt, die häufige instrumentale Wiederholung von 50 Cents „PIMP“. Wenn es zum ersten Mal auftaucht, ist es ein Ärgernis oder vielleicht sogar ein Anstifter, der dazu gedacht ist, oder zu unterbrechen Sabotage. Die Wahl des Liedes spielt zunächst keine große Rolle, wenn Samuel es in der Eröffnungsszene während Sandras Interview spielt – es ist ein absurder Zufall, der auf subtile Weise die Nostalgie der frühen 2000er Jahre weckt –, aber wenn das Lied zum Beweisstück in dem Fall wird, ist alles vorbei Seine potenziellen Bedeutungen müssen notwendigerweise analysiert werden, damit irgendeine Einsicht gewonnen werden kann, egal wie unbedeutend sie auch sein mag.

Auf den ersten Blick scheint dies eine Übung in Absurdität zu sein, aber wenn man den Film auf seine eigenen Art und Weise betrachtet, scheint sich eine ganze Welt möglicher Interpretationen zu eröffnen, egal wie bizarr sie auch sein mögen. Da ist, wie der Staatsanwalt anmerkt, der sexuell provokative Charakter des Liedes, der ihr Interview sofort in einen spezifischen Kontext rückt, der zuvor möglicherweise nicht existiert hat, und es gibt zahlreiche mögliche Lesarten, die ein neues Licht auf den Fall werfen könnten und gleichzeitig gleichermaßen lächerlich sind.

Fehlt das Lied? TextB. „Ich weiß nicht, was du über mich gehört hast“ oder „Aber eine Schlampe kann keinen Dollar aus mir herausholen“ beeinflussen versehentlich die Themen des Films, Anspielungen und Spekulationen, oder seine Verdächtigungen im Zusammenhang mit Samuels Lebensversicherung? Zeigen die karibischen Stahltrommeln – ein unmittelbarer Kontrast zu Sandras und Samuels eisiger Umgebung – eine Art Wunsch nach Flucht? Und ist der Titel des Albums, zu dem es gehört, Werde reich oder sterbe bei dem Versuch’, nur eine unglückliche Ironie angesichts der schwindenden Karriere Samuels, oder deutet es auch auf eine kryptische Absicht zu seinen Gunsten hin? Das alles fühlt sich an, als würde man zu sehr auf ein einzelnes, amüsantes Detail eingehen, aber es ist ein Detail, das ständig wiederkehrt, in einem Film, dessen Handlung voller Charaktere ist, die jede einzelne Möglichkeit analysieren, wenn es darum geht, einer Wahrheit einen Schritt näher zu kommen. ob legal oder spirituell.

Vielleicht ist die Bedeutung hinter der Verwendung des Liedes ebenso unklar wie die Frage, ob wir uns überhaupt damit befassen sollten. Die einzige Möglichkeit, all den widersprüchlichen Beweisen einen Sinn zu geben, besteht darin, diesen Widerspruch zu akzeptieren, denn sonst kann seine Unerkennbarkeit einen in den Wahnsinn treiben – wie es fast bei Daniel der Fall ist, einem jungen Charakter, der verzweifelt nach einem Aufschub eines vertrauten Musters sucht, das einen Sinn ergibt. So sehr Sandras Welt auf den Kopf gestellt wird, so sehr gerät auch seine Welt in ähnliches Durcheinander, wie ein anderes musikalisches Stichwort beweist, das er auf dem Klavier in Erinnerung zu rufen versucht – Isaac Albéniz‘ bezaubernde Welt Asturien (Leyenda) – spielt es aber nicht vollständig, als ob einige seiner Noten gerade außerhalb seiner Reichweite gewachsen wären.

Es handelt sich um eine äußere Arrhythmie, die Daniels innerste Gedanken widerspiegelt, die er kaum formulieren oder mit seinen Mitmenschen teilen kann. Er hat noch nicht gelernt, Informationen so zu analysieren, wie es die Erwachsenen um ihn herum getan haben, aber ihm dabei zuzusehen, wie er das langsam lernt, gehört zu den fesselndsten Teilen davon Anatomie eines Sturzes – neben der wachsenden Möglichkeit, dass er zu Schlussfolgerungen kommt, die seiner Beziehung zu Sandra schaden. Auch sie weiß das, und da sie während des Prozesses ständig zu ihm herüberblickt, wird die Frage, was aus Mutter und Sohn wird, ebenso drängend und emotional spannend wie die Frage, wer den Vater getötet hat.

Anatomie eines Sturzes wurde in Cannes rezensiert und gewann dort die Goldene Palme. Der Kinostart ist am 13. Oktober.