Josh Groban und Annaleigh Ashford brillieren im Broadway-Revival

Bis etwa 22.45 Uhr am Donnerstagabend glaubte dieser Kritiker, den besten Coup de Théâtre dieser Broadway-Saison am Ende gesehen zu haben Ein Puppenhaus mit Jessica Chastain, in der ihre Nora aus ihrem Haus geht und … nun, es wird hier noch nicht enthüllt, falls irgendwelche Leser ein Ticket gekauft haben. Aber dann kam der letzte aufregende Moment der rasanten, glorreichen Wiederbelebung von Stephen Sondheims Sweeney Todd: Der dämonische Friseur der Fleet Street (Lunt-Fontanne Theatre, Buchung bis 14. Januar 2024) – und sorry Ein PuppenhausSie haben ein Ass bekommen.

Es ist nicht nur eine optische Meisterleistung in letzter Sekunde. Ein sichtlich erfreutes Publikum war bereit zu applaudieren. Die letzten Ausgänge von der Bühne waren im Gange, das letzte Crescendo der Töne erreicht. Und dann, bam, die ekstatische Reaktion des Publikums, das auf ihr Zeichen zum Aufstehen wartete, erhielt plötzlich das Sahnehäubchen eines kollektiven Schocks. In diesem letzten Moment – ​​wie vieles in der Show, gleichzeitig spannend und bogenförmig – hat sich eine exquisite Produktion selbst übertroffen. (Erwarten Sie bei den diesjährigen Tony Awards eine Situation zwischen Sondheim und Sondheim, gegen die diese Produktion wahrscheinlich antreten wird In den Wald für die beste Wiederbelebung; Sweeney Todd das dritte schöne Sondheim-Revival in New York folgt Fröhlich rollen wir mit Off-Broadway.)

Das Sweeney ist ein kompliziertes, geistreiches Stück Geschichtenerzählen – nach einer Adaption von Christopher Bond und einem Buch von Hugh Wheeler – mit herrlich prickelnden Orchestrierungen von Jonathan Tunick. Die von Thomas Kail mit phantasievollem Brio inszenierte Show ist nicht fehlerfrei (was hauptsächlich mit Mängeln in Bezug auf Ton und Verstärkung und ihrem Design zu tun hat), aber diese Fehler sind nicht grundlegend untergraben.

Der Chor aus Tänzern und Sängern führt uns von Anfang an durch die Geschichte, sowohl geschwätzig als auch – wie ihre Thriller zombieartiges Schaukeln von einer Seite zur anderen zeigt – entsetzt, verängstigt und traumatisiert (die wirbelnde temperamentvolle Choreografie stammt von Steven Hoggett).

Diese ganze Rezension könnte eine sabbernde Rezitation von Sondheims Genie mit Texten sein, aber da ist es gleich am Anfang, wenn der Chor in seinem theatralischen Galopp singt: „Er hatte ein Geschäft in London Town, mit schicken Kunden und gutem Ruf. Und was wäre, wenn keine ihrer Seelen gerettet würde? Sie gingen makellos rasiert zu ihren Gräbern“, bis hin zu ihren großäugigen Stakkato-Wiederholungen von „dem dämonischen Barbier der Fleet Street!“

Der exzellente Josh Groban spielt Todd mit brodelnder Wut und Ungeduld sowie brodelnder Empörung und Wahnsinn, der nach London zurückkehrt, „das Loch in der Welt … die große schwarze Grube“, die von „dem Ungeziefer der Welt“ bewohnt wird, um seinen zu bekommen Rache an Richter Turpin (einem angemessen salbungsvollen und bösartigen Jamie Jackson), dessen Machenschaften sowohl zu seinem Exil als auch zum Scheitern seiner Ehe führten. Seine Serienmörderserie erstreckt sich auf alle Männer, die er alles verkörpern sieht, was in der Welt falsch ist. Während er wütend singt: „Nicht ein Mann, nein, noch zehn Männer, noch hundert, können mich beruhigen.“

Gegenüber von Groban ist eine ernsthaft Tony-kämpfende, barnstorming Leistung von Annaleigh Ashford als Kuchenladenbesitzerin Mrs. Lovett, ihre Komödie von fröhlicher Sorglosigkeit, die zu tödlicher Besessenheit gerinnt. Sie ist punkig, unkonventionell, irgendwie wild – ruhig, dann dröhnend.

Wir wissen, dass sie der perfekte Ort für Todd ist, um seine Barbershop-Tötungsmaschinerie aufzustellen, denn, wie Ashford in ihrem ersten Song von Mrs. Lovett singt, ist sie bereits für „The Worst Pies in London“ verantwortlich und holt sich verdammt noch mal was heraus das Gebäck, Miniwolken aus Staub-meets-Mehl-Puffing, stolz auf ihren schrecklichen Ruf, „der halben Nachbarschaft Magenkrämpfe“ zu bereiten, wie Ruthie Ann Miles’ Figur der Bettlerin es ausdrückt.

Mrs. Lovett fragt sich, ob eine Konkurrentin Katzen in ihre Pasteten steckt, und fügt dann munter hinzu, dass diese Miezekatzen „schnell“ sind. Ihre eigenen Kuchen? Nun, sie sind fettig und grobkörnig und schmecken – Ashford setzt hier die perfekte Pause ein – „Mitleid“.

Die beiden passen perfekt zusammen, eine erzwungene Vereinigung widersprüchlicher Bedürfnisse, die nur zu einer Katastrophe führen kann. Als Groban seine Friseurklingen hochhält, sagt er uns, dass sie seine Freunde sind und tatsächlich „glitzern“, wenn sie das Licht einfangen. Zusammen werden sie „Wunder“ vollbringen. Während er das singt, singt Mrs. Lovett einen Gegenvers über Liebe und Verbundenheit für ihn und enthüllt, dass sie, obwohl sie Verbündete sind, so unterschiedliche Dinge wollen. Sie stellt sich echte Juwelen vor, während er sich die Rubine des Blutes vorstellt, die von Hälsen tropfen.

Zusammen sind Grobans Todd und Ashfords Mrs. Lovett verführerisch komödiantisch, tragisch und verzweifelt – er schlitzt oben Kehlen auf und schickt dann Leichen durch eine Willy Wonka-artige Rutsche in den feurigen Ofen, damit Mrs. Lovett sie irgendwie fachmännisch entsehnen und zerlegen kann Kuchen. Während Todd in seinem Wahnsinn, aber in äußerer Kontrolle verloren zu sein scheint, scheint Mrs. Lovett mehr an der Realität zu hängen, auch wenn sie mehr in ihren Gedanken verloren ist. Als er über das Töten singt, erinnert sie ihn daran, dass sie tatsächlich eine Leiche loswerden müssen.

Genauso wie es in dem Musical um Mord und Rache geht – und darum, immer sorgfältig die Herkunft des Essens zu überprüfen – geht es auch um den unstillbaren Hochofen des Kapitalismus und der Käuflichkeit, zu dem London wurde; Das Musical postuliert, dass seine Bewohner buchstäblich zu Kannibalen werden, die ihren Wünschen dienen.

„Es ist Mann, der Mann verschlingt, meine Liebe“, sagt Todd zu Mrs. Lovett über den Lärm der Stadt. „Und wer sind wir, das hier zu leugnen?“ Die beiden vergnügen sich, während sie sich die je nach menschlicher Zusammensetzung unterschiedlich schmeckenden Kuchen vorstellen, wie Priester („Himmlische“), Dichter und Marinesoldaten (die immer davon schmecken, wo sie gewesen sind). Bald schwelgt London in diesen Schrecken, wobei Mrs. Lovett sich schüchtern weigert, das Geheimnis des Geschmacks preiszugeben: „Familiengeheimnis, alles mit Kräutern zu tun.“

Ashfords Cockney-Akzent reist leicht um den Rest der britischen Inseln herum, aber egal. Sie ist ein physisches Comedy-Genie, ein totaler, sehr kunstvoller Schinken, der die Shole-Show zu einem kichernden Stillstand bringt, als sie die Treppe hinunterrutscht. Als Mrs. Lovett ihr romantisches Fantasy-Lied „By the Sea“ singt, drapiert Ashford sich über Groban, verloren in der Vision eines idyllischen zukünftigen Lebens („wäre das nicht umwerfend, wenn die Fische plätschern?“). Sie hängt buchstäblich an ihm herunter und wedelt mit den Armen wie eine bedrohliche Möwe, während er leicht vor ihr zurückschreckt, bis er es nicht mehr ertragen kann, so höflich zu sein. Das Publikum lacht sowohl über ihre Vorstellungskraft als auch über ihre Art, aber Todds verzerrte Lippen unterstreicht, dass wir auch um sie und die Kosten ihrer Täuschung Angst haben sollten.

In wenigen Augenblicken verschwinden Ashfords und andere Stimmen in der höhlenartigen Kulisse der Lunt-Fontanne-Bühne, und dies, obwohl nicht ihre Schuld, zeigt, dass die Show ein akustisches Problem hat. Dieser Kritiker hatte das Glück, in der Nähe der Bühne zu sein, hatte aber dennoch das Gefühl, besonders zu Beginn der Show, dass entweder viel Ton verloren ging oder nicht stark genug ins Theater transportiert wurde.

Mimi Liens zweistufiges Design zielt darauf ab, das düstere Leben des 19. Jahrhunderts zu erwecken^th Jahrhundert Gewirr aus dunklen Straßen und rauchenden Schornsteinen des 19^th Jahrhundert London, und wir spüren die aufgewühlte, von Korruption gespickte Stadt, von der Todd mit solcher Verachtung singt, aber – jenseits des feurigen Oranges des Ofens des Kuchenladens – nicht genug. Die Inszenierung fühlt sich auch rezessiv an; In gewisser Weise genial – besonders im zweiten Akt, wenn wir den vollen Nutzen des hoch aufragenden Treppen-/Ölbohrturm-ähnlichen Apparats auf der rechten Seite erkennen – aber auch schwerfällig, bedrohlich und pingelig. Die Charaktere können sich auf der Bühne in Momenten verloren fühlen, in denen sie sich zentral und ausgeprägt fühlen sollten. Die Szenen können sich eher zu arrangiert als nahtlos fließend anfühlen.

Wird der Ton dort hinten verschluckt oder geht er im Raum zwischen Bühne und Publikum verloren? Was auch immer, wenn eine Figur leise spricht, hat das Publikum Mühe, sie zu verstehen. Leuchtend schön ist die Beleuchtung von Natasha Katz; weiße Lichtstrahlen durchdringen die Dunkelheit von oben und von den Seiten, als würde das Leichenhaus psychologisch beleuchtet auf die Unterwelt und das Tor zur Hölle treffen, das aus Mrs. Lovetts Kuchenladen wird. Primärfarben erhellen die konstanten Umrisse des Mondes im Hintergrund der Bühne und die Charaktere, während sie umherstreifen und nachdenken. Die Kostüme von Emilio Sosa sind perfekt für die Zeit.

Nebenfiguren sind so gut gesungen und eingebildet, dass sie sich kaum als Nebenfiguren fühlen. Miles als die wirrhaarige, kaum verständliche Beggar Woman hat eine der schwierigsten Rollen – eine viel bedeutsamere Figur, als ihr Name vermuten lässt, sie ist auch ein griechischer Ein-Frau-Chor von allem, was sich entfaltet, der den Schrecken von allem ausdrückt, was sie sieht um sie herum mit Schreien von „City on fire!“, was wiederum den Horror dessen, was in Mrs. Lovetts Kuchenladen passiert, mit der ausgehungerten kapitalistischen Stadt um sie herum paart. Maria Bilbao als Johanna, Todds heimliche Tochter, ist Turpins Mündel und unheimlich beabsichtigte Braut, hat sowohl eine Süße als auch eine stachelige Ungeduld über ihre Gefangenschaft.

Jordan Fisher als Anthony spielt seine Liebe zu Johanna und seine Entschlossenheit, sie zu retten, ganz ehrlich – und singt sein Liebeslied „Johanna“ mit einem stürmischen Eifer. Irgendwann wiedervereint, singen sie übereinander, sie stellt sich vor, er würde getötet, in einem Schuldgefängnis oder von einem Pferd zertrampelt, er wolle sie heiraten. Ihr Song „Kiss Me“ hat einen federnden Sinn für Spaß, angesichts der verzweifelten Umstände, in denen sich Johanna befindet, wobei Sondheim die gegensätzlichen Pläne von Turpin und seinem Kumpel Beadle Bamford (John Rapson) genial in die Texte einfädelt.

Die Ausgelassenheit und der Überfall von Pirelli (Nicholas Christopher), Todds Friseurkonkurrenz und erstem Opfer, während sie gegeneinander antreten, um zu beweisen, wer Kunden am besten die Schnurrhaare enthaaren kann, ist ein weiterer Akt, der eine Freude ist; Todd wirft einen Blick auf Pirellis Haar-Elixier und erklärt es für „Pisse – mit Tinte“.

Als Pirellis Assistent Tobias Fremde Dinge‘ Gaten Matarazzo ist verletzlich und verhängnisvoll, wenn er sich fragt, was mit seinem Chef passiert ist und was wirklich in den Tiefen des Kuchenladens passiert. Er und Ashford geben dieser berühmt zarten Arie „Not While I’m Around“ eine leise verletzte Intensität (auch wenn sie sich in der Inszenierung ganz links auf der Bühne etwas verloren anfühlt) – ein Treffen von Nicht-Eltern und Nicht-Kind versprechen, sich gegenseitig zu beschützen, was Mrs. Lovett bald sowohl für sich selbst als auch für ihre Besessenheit von Todd verraten wird. Das Musical schlägt ein neues Modell dafür vor, wie Familien und Bindungen aussehen könnten, und reißt sie dann auseinander, denn – keine Spoiler – direkt vor uns steht eine biologische Familie, die zusammen sein sollte, aber auseinandergebrochen ist.

Diese Einheit wird weiter durch die zunehmenden Morde und Tragödien auf der Bühne und die außer Kontrolle geratene Stadt mit „Ratten auf den Straßen und Verrückten, die den Mond anschreien“ gebrochen, während der Chor singt. Grobans und Ashfords letzte gemeinsame Szene ist die perfekte Buchstütze für den Wahnsinn von Todd und Mrs. Lovetts Beziehung, die sie bis zum Ende getäuscht hat – er will sich endgültig dafür rächen, dass er um alles betrogen wurde, was er hätte haben können, und war direkt an der Spitze von ihm. Der Chor hat das letzte fieberhafte Wort über das, was sich entwickelt hat, aber es sind die meisterhaften Groban und Ashford – die sich in der Beinahe-Dunkelheit auf den hinteren Teil der Bühne begeben, bis … nun, Sie werden sehen – die unsere Aufmerksamkeit und unseren tosenden Applaus auf sich ziehen zuletzt.